Vue liquide ⟡ Caroline Achaintre

Publié dans l'art même, n°81, avril 2020

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De l’absence de repères à l’idée de mouvement permanent, la liquidité qui imprègne les œuvres de Caroline Achaintre (°1969 Toulouse ; vit et travaille à Londres) depuis ses premières aquarelles sur papier, symbolise une forme d’illusion et l’idée d’une «transgression»¹ refusant toute catégorisation. Dans son travail, l’artiste mêle différents médiums (textile, céramique, dessin, vannerie), où ce principe de liquidité semble tant conceptuel que formel. Alors que les couleurs des grands fils de laine paraissent fondre sur la face visible des tapisseries tuftées², certaines des céramiques voient la rigidité imposée à la terre déstabilisée par le feu, non seulement dans les formes plissées, mais aussi dans leurs irrégularités ou la viscosité rendue par la brillance de l’émail apposée sur les surfaces aux motifs écaillés. De cet entre-deux et de la coexistence de forces contraires, entre matérialité avérée et impermanence, l’artiste extrait une puissance de représentation entre figuration et abstraction, modernité et contemporanéité.

Caroline Achaintre, Solaroid, 2019. 33 x 24 x 6 cm, ©/courtesy de l’artiste & Art : Concept, Paris, et Arcade, Londres & Bruxelle. Photo : Andy Keate.

Intitulée «Vue Liquide», son exposition à la Fondation Thalie à Bruxelles, replace non seulement ce concept au cœur de la présentation mais, défiant netteté et immuabilité, invite plus encore à l’expérience d’un rituel (quasi chamanique, si l’on peut dire) où la vue alors hypnotisée conjuguerait des perspectives a priori inconciliables. Aux côtés de Roofos (2014), Miss Tique (2019) et Igor (2019), la nouvelle tapisserie créée pour l’exposition, Spitfire (le cracheur de feu), est une imposante figure anthropomorphe faite de lignes labyrinthiques bleues se découpant sur un corps gris, et dont les mélanges de couleurs flamboyantes évoquent les attributs d’un félin. Spitfire rejoue avec la représentation d’un être vivant sur une surface bidimensionnelle, et selon l’angle sous lequel on l’observe, offre à voir l’esquisse d’autres images bouleversant son apparence initiale. Tel certains monolithes pré-incas représentant des jaguars en deux dimensions³, l’animal en métamorphose devient le véhicule d’une transformation plus profonde. La tapisserie alors dotée d’une dimension totémique dérobe à l’objet ses fonctions premières, l’élevant au rang de symbole. Les ouvertures sur le mur qu’offrent les percées des tapisseries accompagnant Spitfire relaissent entrevoir d’autres perspectives, rappelant aussi ce qui se cache derrière ces représentations — à commencer par la technique même de l’œuvre se jouant au verso. Dans le travail de Caroline Achaintre se dissimule derrière chaque apparence le potentiel d’une autre forme, une possible métamorphose et l’accès à un autre monde visuel.

Pour ses expositions, l’artiste met en tension les narrativités contenues en chacune de ses créatures, concevant l’espace comme un lieu de rencontre et de conversation pour ses personnages. Entre les murs sobres et aérés de la Fondation Thalie, le microcosme sans artifices imaginé par l’artiste fait dialoguer un panthéon de figures parmi lesquelles Hadrian, Merlin, et Supina. L’aspect énigmatique et coloré des masques en céramique, conjugué aux consonances latines de leurs noms, détournent la superbe de grandes figures mythiques auxquelles elles peuvent se référer, révélant toute la dimension satirique et grotesque chère à l’artiste. «Comme dans les peintures de carnaval de James Ensor, les protagonistes deviennent les grimaces qu’ils dépeignent».⁴ Le carnaval d’Achaintre invite ces antihéros à coexister, dans une ronde où chaque personnalité délaisse toute individualité au profit d’une expression libérée. «Elles ne sont pas polémiques dans leur rébellion mais leur qualité carnavalesque leur confère une forme discrète de parrêsia»⁵. Dotées de cette liberté, les figures d’Achaintre convient à une appréciation plus poétique du monde qu’elles habitent.

À travers ces formes carnavalesques, c’est aussi à un renversement de paradigme que nous invite subtilement l’artiste. Dans son livre Chez Soi, la journaliste Mona Chollet insiste sur la nécessité de l’espace domestique comme une forme d’ancrage dans le monde. Elle compare le caractère trop éphémère du bouleversement des hiérarchies lors du carnaval⁶, à la façon dont la société considère les «casaniers» - comme des marginaux contre lesquels la critique l’emporte toujours sur la compréhension d’un mode de vie nécessaire, bien qu’à rebours des traditions (obligations) de sociabilité⁷. Ces réflexions corrélées à l’état actuel du monde confiné nous positionnant dans une inévitable redéfinition de nos habitudes, invitent à réfléchir au jugement porté sur ces états d’exception, le sens de ces renversements, et la possibilité de leur pérennité. Alors que le modèle du casanier reclus devient l’exemple à suivre, le monde inversé proposé par Achaintre semble intervenir à point nommé pour défier nos conceptions, et interroger la déliquescence de notre société.

COMPTE TENU DE LA SITUATION ACTUELLE LIÉE À LA PANDÉMIE DE COVID-19, L’EXPOSITION EST REPORTÉE JUSQU’À NOUVEL ORDRE. SES DATES SERONT COMMUNIQUÉES ULTÉRIEUREMENT. MERCI DE VOUS RÉFÉRER AU SITE INTERNET.

carolineachaintre.com

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1. Les mots de l’artiste, mars 2020.

2. La technique du tuftage consiste à projeter la laine à partir du verso de la toile.

3. Nous pensons ici par exemple au Lanzón de la culture Chavin, sur le site de Chavin de Huantar dans les Andes péruviennes, un imposant monolithe en pierre se révélant au fond d’un labyrinthe.

4. Entretien avec l’artiste, mars 2020.

5. Zoë Gray, “A Motley Crew”, in: Caroline Achaintre , Baltic / Frac Champagne-Ardenne, 2017, P.113. Traduit de l’anglais pour les besoins du présent texte.

6. Il est question ici de la dimension subversive, et non pas seulement folklorique du carnaval, telle que dé nie par Mikhaïl Bakhtine.

7. Mona Chollet, Chez Soi : une odyssée de l’espace domestique, Editions Zones, 2015.

Ever since her first watercolours on paper, the idea of liquidity – which ranges from a lack of visual cues to the idea of permanent movement – has permeated the works of Caroline Achaintre. It symbolizes a form of illusion and the idea of a ‘transgression’.¹ While she rejects any categorization, the artist makes use of different media (textile, ceramics, drawing, basketry) in her oeuvre, where this principle of liquidity seems both conceptual and formal. While the colours of the thick woollen threads seem to melt on the visible side of the tufted tapestries², the rigidity imposed on the clay in some ceramics is subverted by fire, not only in the pleated shapes, but also in their irregularities or in the viscosity rendered by the brilliance of the glaze applied to the surfaces with the flaky patterns. Drawing on both this intermediate state and the coexistence of opposing forces made up of proven materiality and impermanence, the artist generates a power of representation that links figuration and abstraction, modernity and contemporaneity.

Her exhibition at the Thalie Foundation in Brussels defies sharpness and immutability. Its title, 'Vue liquide' ('Liquid View'), not only places this concept at the heart of the display, but invites viewers to experience an almost shamanic ritual, so to speak, where sight, in a hypnotic state, would combine a priori irreconcilable perspectives. Alongside Roofos (2014), Miss Tique (2019) and Igor (2019), the new tapestry created for the exhibition, Spitfire, is an imposing anthropomorphic figure. Composed of blue labyrinthine lines standing out against a grey body, its flamboyant colour combinations evoke the attributes of a feline. Spitfire plays on the portrayal of a living being on a two-dimensional surface and, depending on the angle from which it is observed, shows the outline of other images that unsettle its initial appearance. Like certain pre-Inca monoliths representing jaguars in two dimensions³, the transfigured animal becomes the vehicle of a deeper transformation. Endowed with a totemic dimension, the tapestry robs the object of its primary functions, elevating it to the rank of a symbol. The openings onto the wall made by the large holes in the tapestries accompanying Spitfire suggest other points of view while simultaneously recalling what lies behind these representations – starting with the technique of the work itself, which is played out on the reverse side. In Caroline Achaintre’s work, a potential metamorphosis lurks behind each appearance, along with a possible access to another visual world.

In her exhibitions, the artist contrasts the narrativities contained in each of her creatures, conceiving the space as a place of meeting and conversation for her characters. Within the sober, spacious walls of the Thalie Foundation, the microcosm without artifices created by the artist establishes a dialogue between a pantheon of figures including Hadrian, Merlin and Supina. The enigmatic and colourful aspect of the ceramic masks, combined with the Latin consonants of their names, distorts the grandeur of the great mythical figures to which they can refer, revealing the satirical and grotesque dimension so dear to the artist. ‘As in James Ensor's carnival paintings, the protagonists become the grimaces they depict.’⁴ Achaintre’s carnival invites these anti-heroes to coexist in a round dance in which each personality renounces individuality in favour of a liberated expression. ‘They are not polemical in their rebellion, but their carnival quality gives them a discreet form of parrhesia.’⁵ Achaintre’s figures are endowed with freedom and call for a more poetic appreciation of the world they inhabit.

Through these carnivalesque forms, the artist also subtly invites us to experience a paradigm shift. In her book Chez Soi, Mona Chollet insists on the necessity of the domestic space as a way to anchor oneself in the world. She compares the overly ephemeral nature of hierarchical upheaval during Carnival⁶ to the way in which society considers ‘homebodies’ – as outcasts whose lifestyle is systematically criticized rather than understood as a necessary way of life, although one at odds with traditions (obligations) of sociability.⁷ These reflections – correlated with the current state of the confined world, which inevitably compels us to redefine our habits – invite us to consider the judgement of these states of exception, the meaning of these reversals, and the possibility of their continuation. While the model of the secluded homebody becomes the example to follow, the inverted world proposed by Achaintre seems to intervene at the right moment to challenge our conceptions and question the decline of our society.

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1. Interview with the artist, March 2020.

2. Tufting consists in projecting the wool from the back of the canvas.

3. For example, the Lanzón of the Chavin culture, on the site of Chavin de Huantar in the Peruvian Andes, an imposing stone monolith revealing itself at the centre of a labyrinth.

4 Interview with the artist, March 2020.

5 Zoë Gray, ‘A Motley Crew’, in: Caroline Achaintre, (Reims/Gateshead: FRAC Champagne-Ardenne/Baltic, 2017), 113.

6. This relates to the subversive, not just folkloric dimension of the carnival, as defined by Mikhail Bakhtin.

7. Mona Chollet, Chez Soi: une odyssée de l'espace domestique (Paris: Éditions Zones, 2015).

Vue liquide ⟡ Caroline Achaintre

Publié dans l'art même, n°81, avril 2020

Vue liquide ⟡ Caroline Achaintre

Published in dans l'art même, n°81, april 2020

Caroline Achaintre, Solaroid, 2019. 33 x 24 x 6 cm, ©/courtesy de l’artiste & Art : Concept, Paris, et Arcade, Londres & Bruxelle. Photo : Andy Keate.